ポートランドの劇場が今の時代において魅力的な作品を堪能できることは、私たちにとって大変な喜びです。特に、ブラックアーティストの作品が多く上演されることは、注目に値します。
ポートランド・プレイハウスは、その光の特に際立った担い手であると言えるでしょう。
すべてのブラックアーティストが自らのすべてを発揮できる機会を得ているとは言えませんが、この白人中心の都市では、ブラックコミュニティが排除や被害に直面してきた歴史が影を落としています。それでも、地元アーティストや関係を築いた他のアーティストたちは、素晴らしい舞台作品を通じて、ブラックダイアスポラの経験を照らし出すために必要な知恵や資源を示しています。
ポートランド・プレイハウスの最新の例は、ドミニク・モリソーの劇『パラダイス・ブルー』の新しい上演です。これは、彼女の故郷であるデトロイトを舞台にした三部作のひとつであり、1949年のブラックボトム地区を背景にしています。この地区は、1950年代から1960年代にかけて再開発のために破壊されてしまいました。
劇の時代背景として、ブラックボトムはまだ繁栄を誇るコミュニティでありました。音楽シーンは活気にあふれ、多くのレストランや商店、医師、薬局があったことで、地域のブラックコミュニティを支えていました。
しかし、貧困や人種差別から逃れてきた多くの人々が集まり、生活空間が限られているという現実もありました。このような状況の中、ブラックボトムは、いわゆる「都市再生」のターゲットになり、人種差別を助長するような口実で置き換えられてしまいました。
モリソーはこの失われたコミュニティを窓口として我々に示し、私たちの集団が直面している破壊の影響を考察するよう促します。
この劇の監督にふさわしいのは、ミネソタ州セントポールのペナンブラ劇場の共同創設者であり、芸術監督であるルー・ベラミーです。彼はポートランド・プレイハウスで多くの作品を手がけており、特に春に上演された『ジョー・ターナーの来たるべき日々』でも素晴らしい演出を見せました。この公演はペナンブラ劇場との協力で行われており、両劇場の関係は長い歴史があります。
劇の舞台は、トランペット奏者でバンドリーダーのブルーが経営するクラブと下宿です。
ブルーのバンドには、若いパーカッショニストのP-SAMとコーンがいます。
彼らはブルーの気分に合わせてナビゲートすることに慣れていますが、ブルーは全てを支配しようとし、彼が求めるあらゆる疑問や反発を排除します。
劇が進行するにつれ、デトロイト市長が「スラム街」を解体しようとしている時に、P-SAMはこのアーティストに支配されたコミュニティを維持しようと苦闘していることが明らかになります。
P-SAMはこう言います。「ブラックボトムの外には、カラーの男の居場所はない。…あの白人のクラブでプレイしていると、裏口から入らされて、彼らの靴にこぼれたウイスキーみたいに扱われる。」
コーンはブルーとの関係に慣れた年上の存在であり、より穏やかな態度を取りますが、ブルーがクラブを市に売ろうとしているのではないかというP-SAMの不安をしっかりと無視することが難しくなります。
ブルーの恋人であるパンプキンは、カレーを作り、クラブの運営を支えながら、ブルーの居心地を良くするために尽力しています。
彼女は「ゴーアロング・ガール」と自称し、自己の技能を誇示しているかのようです。
劇が展開する中で、ブルーの世話をすることが、ブルーからの虐待を受け入れることを意味していることが浮かび上がります。しかし、パンプキンが詩や言葉を愛する一方で、彼女が持つ詩的な魂を示す瞬間も存在します。
彼女はギャージャ・ダグラス・ジョンソンの詩を朗読し、その情熱に満ちたフレーズに心を打たれる視聴者も多いでしょう。
対照的に、シルバーという女性が登場します。彼女は自らの力を誇示し、他のキャラクターとの明確な対比を作り上げます。
シルバーは“ブラック・ウィドウ・スパイダー”と形容される人物であり、ブルーのクラブを買いたいと考えています。
ブルーはコミュニティを大切に思っているわけではなく、自身の苦悩や無理解から解放されない苦悶を抱えるキャラクターです。
彼は素晴らしい音色を求めてトランペットを演奏し、シカゴへ移ることを夢見ています。
この劇は、コミュニティを守り育てようとする者たちと、搾取を追求する者たちとの対立を明らかにしていきます。
モリソーは、ブラックボトムの経験を通して、我々が直面している問題を描き出します。
今回の公演は、特に緻密で感情豊かに演じられたキャストたちに力を与えています。
アレクサンダーは、P-SAMの明るくもフラストレーションを抱えるエネルギーを体現しています。
パリーは、穏やかで世間に詳しいコーンを演じ、注意深く自らの欲望を抑えており、観客に自然な感情を伝えます。
アシュが演じるシルバーはその魅力で視線を引きつけ、一人での存在感を際立たせています。彼女のセリフは、力を持っており、特にパンプキンとのやり取りは女性としての限界と可能性を探る興味深いものでした。
パンプキン役のマッケンジーは、失われた夢と可能性の痛みを感じさせ、観客に共感を呼びかけます。
ただ、私個人としては、パンプキンの成長が物語の結末に到達するのを見届けられなかったのが少し残念でしたが、その先のクエスチョンが示していることには明確な解決策がないことを認識しています。
この劇の特性ともいえるセットデザインや衣装デザインは、観客を引き込みます。
マルティ・エヴァンズの独創的な舞台美術は、バーロケーションを提供し、オープンにシルバーの部屋を描写することで、コミュニティの広がりを演出しています。
アートの中に私たち自身が映り込む壁は、破壊されたコミュニティに思いを馳せさせます。
ワンダ・ウォルデンの衣装デザインもその色彩感を見事に表現しています。
このような劇に出会えたことに感謝し、見逃してはいけない舞台作品です。
画像の出所：orartswatch