ボストン美術館でこの日曜日に開幕した「光と空気：ウィンズロー・ホーマーの水彩画」は、約半世紀ぶりとなる、アメリカの巨匠ウィンズロー・ホーマーのユニークな水彩作品を集めた最大の展示です。保全の懸念から、これらの作品は希少な機会しか見られず、敏感な顔料や詳細が時間とともに失われるのを防いでいます。これは、一生に一度の本当に特別な体験であり、すべての読者に見に行くことを強くお勧めします。
ホーマーの水彩画は、表現の形式と物語の両方の側面に深い研究を行っています。美術館は、ホーマーの形式的な歴史を見事に提示しました。実際、キュレーターのクリスティーナ・ミシェロンとイーサン・ラスの仕事は、作品を直接見ることでしか真の理解を得られません。媒体の技法やスタイルの実験を超えて、ホーマーに後付けされた挑発的な物語について議論したいと思います。19世紀から20世紀にかけて活動したアメリカのアーティストとして、ホーマーは常に南北戦争、解放、社会リアリズムに関与していました。
今回の展示は、ホーマーがユニオンに与する戦時アーティストとしての始まりを強調します。彼の作品は、カリカチュアの外にある黒人の姿を描写し、軍営生活の日常にその存在を示しています。「キャンプの生活、パート2：塹壕の中」(1864年)は、北軍の戦場で作業中の筋肉質の黒人男性を墨洗で描写し、黒人の姿を現実的に捉えた画期的な瞬間を示しています。解放に対するより深い理解はもちろん、彼の黒人に対する視点が19世紀に深く根付いていることを明らかにしますが、この版画は、ホーマーの変革への志向を示し、またメディアがその意欲を反映していることを示しています。
水彩画と墨洗には、その技法に必要な流動性による独自の類似点があります。ホーマーの水彩画は、これらの緩やかな物語や人々の生活を描くための媒体です。柔らかな色合いで人間の存在を描写し、ドラマティックな油彩作品からの大きなシフトを示しています。この区別はホーマーの作品にとって非常に重要であり、自身の作品を通じて流動性と不正確さがアーティストを持続的かつ変化し続ける精神状態に強制します。
戦後の復興期における人間性についてのこうした考えが、彼を全国各地に向かわせ、アメリカの牧歌的な生活を描かせました。多くの水彩画の一般的なテーマではありましたが、彼はこの時期の油彩において困難な現実から逃げることはありませんでした。むしろ、彼の水彩画が油彩の技術的特性をとりこんでいくにつれて、物語と媒体が混ざり合うのが見えます。透明な瞬間の風、光、そして人間性が、Ｐigmentが絵を浸透していく brief instance of pigment soaking the picture until such temporality becomes permanent.
展示は、ホーマーがこうした作品で示す深い知的努力を明らかにします。彼の水彩における作業は、その物語を通じての言説的な素材性に影響を与えています。水彩が伝統的に、より持続性が低く、安価であり、一般の人々への影響も少ないと見なされている中、これらの絵画はホーマーが見て、処理し、暴露したいと願った物語の真実を提供しています。これらの物語は、彼が旅行中に出会った様々な背景を持つ人々を含むことが多くありました。
展示のギャラリーにある後期の作品は、これらの旅を通じてホーマーの水彩画がうまく表現されていますが、私は「ザ・スポンジ・ダイバー」(1898-99)と「モンタニャ・インディアン、ポワン・ブリュー、ケベック」(1895)の二つが最も印象的であると思います。彼がカナダやバミューダを旅行中に製作したこれらの作品は、ホーマーがその地域の人々の労働を目撃した貴重な証言を示しています。アメリカのリアリスト画家の一人として、ホーマーの作品は、彼が出会った様々な人々の労働に非常に焦点を当てています。彼はこれらの人々を描くことで、彼らの労働はただの主題ではなく、観る者の価値を認識させる重要なサブテキストとなりました。
「ザ・スポンジ・ダイバー」では、光を浴びながら登場するダイバーの柔らかく流れるような筋肉が描かれています。バミューダの強い日差しから輝く彼の肌。温かい青い海が絵画の下部を流れ、透き通った波が寄せては返します。柔らかい影が全体の構図に castされ、フィギュアの背中には太陽の熱が感じられます。観る者から背を向けたこの人物の匿名性は、個人的な主題が注目の的ではなく、労働の普遍性が焦点となっていることを示しています。スポンジのために潜るこの労働者は、色彩の中に不朽の存在を持たされます。このような構図は、哲学者アラン・ロックが、ホーマーを当時の他のアーティストに対して際立たせるアメリカのアーティストと形容するインスピレーションの源となりました。
「モンタニャ・インディアン、ポワン・ブリュー、ケベック」は、より早い時期の作品ですが、非常に似たアイデアを反映しています。この作品では、インディジニアスな女性たちが働く姿が描かれ、作品にユニークさを提供しています。美術館は正確な表現を求め、イヌ族の代表者を招いてこのシーンを説明してもらいました。イヌ族の人々は、ホーマーがケベックへの旅行中に目撃した伝統的にカヌーを作ることができる民族です。この作品において、ホーマーの作品はア anti-narrative を通じて、イヌ族の人々の真の一面を示しており、美術館もその代表者によって裏付けされています。ホーマーがこの部族を描くことで、彼は女性たちを保育者や大工として表現し、イヌ族のトライ族を従来の性別構築の外に描いています。これにより、観る者はアメリカ大陸の先住民族の複雑な社会関係を認識することになります。
最終的に、ホーマーの数十年にわたる水彩作品の探求は、画家の発展を理解するための重要なコーパスに集約されます。美術館が引用するように、ホーマーは「将来的には、水彩画によって生きていく」と述べていますが、これはこの作品の個人的な感情的側面を表达するだけでなく、何かより深い意味を持ちます。おそらくホーマーは、水彩画が未来を見通し、私たちが自身を見つめる贈り物であることを認識していたのでしょう。彼の柔らかな顔料が真実と証言となり、これらの作品はアメリカとその全ての人々の魂に深く刻まれていくのです。
画像の出所：thejustice