ジョンソン・ロウ・ギャラリーで開催されるグループ展「Encounters」は、急速なスワイプ文化への応答として位置づけられています。
この展覧会には、12人のアーティストの作品が集められ、何かと向き合うという行為がもたらす変容を探求しています。
展覧会のテキストは、「私たちの社会がスキミングやスワイピング、反応し、その場を離れることを条件としている中で、画像の前に立つことは何を意味するのか？」と問いかけます。
さらに「これらの作品は存在を求める……その複雑さは徐々に広がり、観覧者に時間、注意、忍耐を差し出すことで持続可能な何かを提供します」と主張しています。
この展覧会は、ポストロックダウンの文化的な衝動の中で、物理的な経験に戻ることへの欲求を掘り下げています。
それにより、一部の人々は、表面的な緊急性に抵抗し、注意を取り戻すためにアナログな慣習に戻ることさえしています。
このキュレーションには、より深い存在論的な主張が埋め込まれています。
「Encounters」の作品は単なる不活性なオブジェクトではなく、観覧者との「交換」を形成する能力を持っているというものです。
グレッグとシーガースによって説明されるアフェクト理論は、この関係性を明確にし、「身体から身体（人間、非人間）へと渡る強度……感情を越える生命的な力で、私たちを動き、思考、拡張へと駆り立てることがあります」と説明します。
運動を育むこの概念は、アートが無感覚になってしまったものを感じさせ、行動へと誘発する力を強調します。
キュレーションの主張は、エネルギッシュな物質性と新しい技術による反抗的な製作という二つの主要なカテゴリーを通じて、このメタフィジカルな請求に見合っています。
ギャラリーの裏部屋では、この展覧会の主題が、ジュディ・ファス、サム・ギリアム、マイケル・デイビッドという巨匠たちの作品によって固定されています。
それぞれのアーティストは、数十年にわたって、自らの媒介を革新し、概念的かつ空間的に抽象を拡張してきました。
彼らの作品は、単に空間を占めるだけでなく、それを活性化しています。
作品からは、アーティストが注いだエネルギーが今も振動しています。
ファスの「Cat’s Paw（2025）」は、心臓型の膨らみを持つ構成物を壁から押し出すようにしています。
この作品は、ファスの生活環境を自身の変容の一形態に表現しています。
シャワーサンダルやキッチンスポンジがアバカスのビーズとして生まれ変わり、色とりどりのライトがポンポンを照らし、マーブル状のウレタンがねじれたプラスチックマットのジグザグ模様と対比されています。
ファスの想像力豊かな再利用は、アンソロポセンの奇妙な排泄物に対する喜びの視点を提供します。
彼女の急進的な自由さは、これらの材料が無限の可能性を持ち得ることを示唆しており、「レモンをレモネードに」する可能性を提示しています。
近くでは、デイビッドの「The Bed and the Bell Jar（2015-2025）」とギリアムの「Parted Iron（1973）」も、表現の自由を通じて感覚的な出会いを提供しています。
デイビッドの粗削りでペイントされた構築物は、ロバート・スミスソンが「逆の遺跡」と表現するように、産業近代の decay の中から生まれた記念碑のように立ち上がります。
ガラスの破片が外へ反射し、観覧者が見ていることと見られていることの間で分裂する瞬間を提供します。
この恐れを知らない脆い作品は、出会いが相互の交換であることを最も直接的に支持しています
その前に立つことは、存在そのものが物質になる鏡なのです。
ギリアムの「Parted Iron」は、ファスやデイビッドのサックスフォンとは対照的な、より哀愁に満ちた音色を響かせています。
その染み込んだ表面は運動する物質感を持ち、普遍的なエネルギーの深い時間の言語と共鳴しています。
白い点は波のように泡立ち、焼けたシエナのパッチは錆のように広がり、黄色の球が朝の太陽のように拡散します。
この絵画の前に立つことは、崇高なものと向き合うことです
つまり、世界の無限の美しさと私たちの時間の短さに対する痛みを思い知らされるということです。
展覧会は、物質的な出会いを写真やテキスタイル、版画を通じて広げていきます。
写真家レタ・ウィルソンとチップ・ムーディは、場所がどのように見られ、感じられるかを複雑にするために、物質の介入を用いています。
ウィルソンの「Hawaii Hands Layered Concrete（2024）」では、しわくちゃになった葉のプリントを流し込まれたコンクリートで中断し、工業的な土地開発の危険を映し出します。
ムーディの「Open Swim（2020）」は、抽象化された水の3×5を公共プールの形に配置しており、共同体の楽しみの場ですが、分離や反黒人主義の歴史の影が見え隠れしています。
両アーティストは、写真の平面性を揺るがし、場所は単独のものではなく常に構築されるものであることを明らかにしています。
色彩豊かな物質主義は、ジャメイル・ライトの手染めと縫製の「BROWN, Conceptually: 2（2025）」やセルヒオ・スアレスのペイントされた木版画「Lamentation（2025）」においても続きます。
これらの触覚的な作品は、物質の伝統から新しい表面を生み出します。
しかし、ライトはガラスの壁の後ろに配置されているため、その影響力が減少してしまい、スアレスの元の木版の一つが、彼の手彫りの詳細を直接木のマトリックスに刻むことにより、展覧会の物質的焦点をより鮮明に主張したかもしれません。
キュレーションの主張「すべての作品が『存在を求める』」は、一貫性を欠く部分があり、緊密な観察によりギャラリー全体の不均等な結果が明らかにされています。
一部の作品は響き、他の作品は魅力を失っています。
特にキャサリン・カンポフスキーの薄い抽象作品「Unmade（2025）」やダニエル・バードの「DRY HUMOR（2020）」は、自らの物質的な可能性を構築されたシステムの下に隠しています。
これらの作品は、他の文脈では自立してしっかりとした存在感を持つことができるものですが、このキュレーションの中では、出会いの方法を支持したり拡張したりすることができません。
他のアーティストたちは、新しい技術を用いて出会いを引き起こすことで、展覧会の主題を広げています。
この取り組みは、アナログとデジタルの良い悪いの二元論を超え、単なる拒絶ではなく、技術との意図的なハイブリディティが現在の状況へのより合理的な解決策であることを示唆しています。
たとえば、画家ベン・スティールは、3Dプリンティングや古典的な静物画の技法を組み合わせ、古代の技術や未来の社会的崩壊の場面を描いています。
ラッシュ・ベイカーの「Whispers Along the Alexandria Canal II（2024）」やスアレスの「Lamentation」との共同展示により、過去と未来の境界が曖昧になりますが、その点こそが重要です。
このグルーピングは、展覧会の始まりを終わらせ、偽の二元論や生活の循環的な特性を思い起こさせるものです。
ラシャード・ニュースムのフォトコラージュや短編映画はこの概念をさらに深め、AIを黒人でクィアな文脈に位置づけます。
主流の技術が白人のヘテロノルマティブな支配者の価値観をどのように実行するかを明らかにします。
作品は、ニュースムが制作した「Being the Digital Griot」というAIモデルを中心に展開し、ヴォーグ・フェムパフォーマー、黒人クィアASL通訳者、ガーナのテキスタイル、フラクタルパターン、黒人のカリキュラムのモーションキャプチャから構築されています。
これにより、Beingは、実際に観客を涙させた脱植民地ワークショップも行うことができるようになっています。
この作品は、傷つけるのではなく癒すためのケアの倫理を備えており、特に影響を考慮するよう求められています。
残念ながら、Beingが依存するすべてのプロンプトは、ChatGPTなどと同じデータセンターに依存しており、特に南部の黒人コミュニティに不均衡に影響を与える水やエネルギーのグリッドを緊張させています。
これにより、作品の響きが傷つくわけではありませんが、その物質的影響にさらに価値を見出す機会を明らかにします。
Beingが黒人コミュニティの自由な世界を想像するために設計されているのなら、自らが持続可能な方法でエネルギーを供給できる世界を想像できるでしょうか？
アーティストのジェニー・オデルが書いたように、「注意の行為により、私たちは誰を聞き、誰を見、誰が私たちの世界で機能するかを決定します。
このようにして、注意は愛だけでなく倫理の基盤となります。」
「Encounters」は、アートがこの持続的な注意を実践する場であり、注意が感情を生み出し、その後のケアにつながることを思い出させてくれます。
情報やデータであふれる時代にあって、私たちはしばしばすべての恐ろしさや解決策を知っていますが、どう感じるべきかを知らないのかもしれません。
これが私たちの無行動を説明する理由かもしれません。
展覧会は、私たちにスピードを落とし、変容するまでしっかりと注意を向けることを招いています。
「Encounters」は、11月29日までジョンソン・ロウ・ギャラリーで展示されます。
編集者の注記：著者は、10月25日（土）午後1時からこの展覧会のパネルをモデレートします。
パネリストにはダニエル・バード、マイケル・デイビッド、チップ・ムーディ、レタ・ウィルソンが参加します。
画像の出所：artsatl