ロサンゼルスは、ダンスの中心でもダンスの砂漠でもありません。
偉大なバレエ団を育てる歴史はあまりありませんが、現代舞踊、古典舞踊、国際的な団体を含む多くの小規模なカンパニーがあります。
探せば、どこかで誰かが常に踊っています。
先週末、私は異なる3つのダンスプログラムを3つの独自の会場で体験し、3つの異なる聴衆向けに楽しみました。
その範囲は広く、接続の仕方は啓発的でした。
壮大なスケールの一端として、マイアミシティバレエはコスタメサのセゲストロムホールに最近の「白鳥の湖」の制作を持ち込みました。
この夏のさまざまなバージョンのチャイコフスキーの愛されるバレエが上演される始まりです。
今週末はボストンバレエが音楽センターで上演します。
さらにサンフランシスコバレエもハリウッドボウルでのロサンゼルスフィルハーモニックの「チャイコフスキーのスペクタキュラー」の一環として抜粋を披露します。
フェアファックス地区のテレビシティのサウンドステージでは、アメリカンコンテンポラリーバレエが、町のユニークな場所を探求する典型的なロサンゼルスダンスカンパニーとして、ジョージ・バランシンの現代的なクラシック「セレナード」と、会社の創設者で振付家のリンカーン・ジョーンズによる新作が上映されています。
一方、土曜日の夜にバイオリニストのビジャイ・グプタとダンサーのヤミニ・カッルリは、バッハとインドのクチプディダンスの伝統を交差させました、99席のシエラマドレプレイハウスで。
マイアミシティバレエは、著名なボリショイ育ちの振付家アレクセイ・ラトマンスキーによる歴史的に情報に基づく「白鳥の湖」を制作したことで注目を集めています。
彼は彼の故郷サンクトペテルブルクのマリインスキー劇場での1895年の制作を再現するために最善を尽くしました。
歴史に基づいたパフォーマンス、略してHIPという用語は多くの意味を含んでいますが、「白鳥の湖」は非常に重みのあるバレエです。
HIPは、早期音楽運動が18世紀のハンドルのオペラがどのように聞こえたかを再現しようとする試みがつまらなくなることを発見した際に生まれました。
最終的に、その運動は古い楽器を生かして鮮やかで想像力に富んだ現代的な方法で使うことが、音楽を新たに活気づけることができると気づきました。
演出が驚くほど現代的であるとき、その効果はさらに高まります。
ラトマンスキーの再構築した「白鳥の湖」は、実際には古典的なバレエと近代的な楽器を対比させるもので、日曜日の夜は混乱したスタートを切りました。
チャイコフスキーの序曲は、暗くしたホールで太平洋交響楽団によって輝かしく演奏されましたが、現代のオーケストラと気を散らす明るい観客のスマートフォンは、私たちに2025年であることを思い出させるだけでした。
19世紀後半のオーケストラは、当時の振り付けと一致した軽やかで活気のある音色を持っていました。
しかし、日曜日のカーテンが古風な風景、 costumes、振付、演技のもとで上がったとき、私はまるで安っぽい骨董品店に迷い込んだように感じました。
それでも、ラトマンスキーにはたくさんの魅力があります。
1895年に戻ることは、実際には新しさを標示することができます。
「白鳥の湖」には決定版がありません。
チャイコフスキーは1877年の最初のバージョンを改訂しましたが、1895年に標準的なバージョンとなるものを完成させる前に亡くなりました。
それでも、振付家、ダンサー、プロデューサー、さらには作曲家がそれぞれの視点を加えています。
バレエは、勝利で終わることもあれば悲劇で終わることもあります。
ジークフリートと彼の白鳥の花嫁オデットは、個々または一緒に生きるか溺れるか決まります。
「白鳥の湖」は非常に親しまれているため、現代的な装飾は単なる荷物となります。
この意味で、ラトマンスキーの過去への回帰と現代性への妥協は、単にアイコニックなバレエだけでなく、バレエ自体とその特異な美しさの起源を再考するための素晴らしい出発点です。
2つの白鳥の行為は、無駄のない繊細さを示しています。
ダイナミックでアスレチックなジークフリートを演じたキャメロン・カタザロと、甘く無邪気なオデット及び活気あるオディールを演じたサマンサ・ホープ・ギャラが、動きの中で魔法のように美しいスタイルのように見えることができました。
意味は、ジークフリートの impulsiveな飛び跳ねや、ブラックスワンのスタディした32のフワテを見出しました。
それ以外は、気晴らしに過ぎませんでした。
それこそが、バランシンが40年後、1935年に「セレナード」で取った次の一歩です。
これはチャイコフスキーの「弦楽セレナード」に基づいています。
「セレナード」は、1933年にアメリカに到着して以来、バランシンが作った最初のバレエでした。
ロシア-ジョージアの振付家は、物語を持たない新しいスタイルのバレエを、息をのむデザインで創り出したいと考えました。
ACBは、その内容を明言しなかったようですが、暗くしたサウンドステージでダンサーたちを白黒映画のように照らしていました。
観客が非常に近い bleachersに座っている中で、見えない奏者たちとダンサーたちが近くに同時に存在し、バランシンの動きの美しさを再現するために要求される努力は露わだっていました。
その効果は、その瞬間にいるように感じさせ、同時に未来に向かう効果もありました。
「セレナード」の前には、「エウテルピデス」と呼ばれる短編バレエの初演がありました。
これは、アルマ・デウツェルによる楽曲が元にされていました。
20歳のイギリスの作曲家、ピアニスト、バイオリニスト、指揮者である彼女は、10歳でオペラ「シンデレラ」を作曲しました。それがオペラ サンホセでも制作されました。
「エウテルピデス」は、彼女の最初のバレエであり、時空を超える独自のスタイルを持っています。
それぞれのバリエーションは、弦楽器とピアノ用のウィーンのワルツの旋律を表し、古典的なギリシャの女神たちを表しています。
スコアは、チャイコフスキーの時代のものとして書かれたかのように聞こえますが、デウツェルは現代的な技術を使い、各女神のキャラクターを表現しています。
「プネウメ」という息の女神は、リズムをわずかに歪ませるために、時折余分なビートを得ています。
ジョーンズは、バランシンから進化したダンスの語彙を使い、5人の女性それぞれを女神として、それぞれの男性モータルが最後のパ・ド・ドゥを演じます。
ここでは、歴史が新たな演出を圧倒します。
グプタは、自身の優れた「When the Violin」でその時と今の強い調和を示しています。
表面的には、彼はバッハのソロバイオリンパルティータ第2番とソナタ第3番を演奏し、カッルリが選択された動きの中でどのように感情を表現するかを探っています。
彼女は現代服を着て、音楽に流し込まれるように調和しているため、文化の隔たりは歴史的な期間の隔たりと同様に容易に橋渡し可能に見えます。
ロサンゼルスで知られたグプタは、2007年に19歳でフィルに参加し、その後ホームレスや収監されたコミュニティに奉仕するストリートシンフォニーを設立しました。
また、彼はTEDトークでインスピレーションを与え、マカークスアワードを受賞し、フィルを退職した後も、町の室内プログラムで演奏を行い、L.A.を拠点にした音楽アンサンブルTesseraeでバロックバイオリンを演奏しています。
「When the Violin」では、グプタは現代的な楽器を使い、非常に表現豊かな現代的なスタイルで演奏し、サラバンドの音符を保持し、時間を拡大しまるでラガに変わるかのようにします。
彼はスーフィーやリルケの詩を朗読するために一時停止します。
彼のトーンは大きく力強く、特にこの小劇場の素晴らしい音響の中で魅力的です。
バッハの作品は、「When the Violin」の作曲家リーナ・エスマイルによる感動的なソロでつながれており、バッハ、インド音楽、そしてクチプディダンスの世界が、すべて同じ深い帰属感の中から生み出されているかのように思えるのです。
このように、バイオリニストとダンサーが一緒に演奏することで、広範囲にわたる接続性が如何に避け難いものであるかを示しました。
画像の出所：latimes